Nacieron como una crítica al pop artificial: una agrupación ficticia creada por Damon Albarn y Jamie Hewlett, que a partir de caricaturas creó una propuesta innovadora.
En esencia, Gorillaz nace como una crítica a lo artificial. No se trata simplemente de hacer buena música, sino de cuestionar los mecanismos de la industria pop, donde la imagen, el marketing y la fabricación de estrellas parecen pesar más que la propuesta artística.
Así que Damon Albarn y el artista Jamie Hewlett decidieron no oponerse desde fuera, sino desde dentro: crearían su propia “banda”, pero llevada al extremo del concepto. De hecho, el proyecto comenzó en 1998, cuando Albarn empezó a escribir material que se alejaba de la dirección estilística de Blur, mientras que, en paralelo, Hewlett desarrolló el universo visual de una banda ficticia animada cuya identidad acompañaría a la música.
El proyecto se construye como una banda deliberadamente “fabricada”. A diferencia de los grupos tradicionales, donde la autenticidad suele ser un valor central, Gorillaz abraza la artificialidad como parte de su discurso. Es decir, no intenta ocultar que es un producto conceptual; por el contrario, lo convierte en su mayor fortaleza creativa.
A partir de esto, el planteamiento se sostiene sobre un tercer pilar fundamental: las identidades ficticias. Los integrantes del grupo — 2D, Murdoc, Noodle y Russel — no son músicos reales en el sentido físico, sino personajes animados con historias, personalidades y universos propios. En consecuencia, funcionan como alter egos que permiten separar la obra del artista y replantear la relación entre música, imagen y autoría.
Paralelamente, el desarrollo musical inicial tuvo lugar en Londres, específicamente en Studio 13, el estudio privado de Albarn en el oeste de la ciudad. Durante esta fase temprana, trabajó en gran medida en solitario, grabando maquetas en equipos portátiles multipista antes de trasladar el material al entorno del estudio. De este modo, muchas de las bases del álbum se gestaron en esta etapa, incluyendo versiones iniciales de temas como “Tomorrow Comes Today”, “Clint Eastwood”, “5/4” y “Re-Hash”. El proceso fue deliberadamente abierto: Albarn abordó el material sin un género fijo, experimentando con cajas de ritmos, bucles, líneas de bajo influenciadas por el dub, texturas de guitarra y motivos sencillos de teclado.
A medida que las sesiones avanzaron durante 1999, las grabaciones se ampliaron con la participación de los ingenieros Tom Girling y Jason Cox. Su trabajo combinó la ingeniería técnica con la programación, ayudando a transformar las maquetas en composiciones estructuradas. En esta misma línea, Albarn invitó al productor estadounidense Dan the Automator, cuya participación resultó decisiva para dar forma al álbum. Tras revisar el material grabado, trabajó junto a Albarn en la refinación de arreglos, la incorporación de colaboradores y la consolidación de un enfoque más cercano al hip-hop.
Como resultado, las sesiones combinaron técnicas de producción electrónica con instrumentación en vivo. Albarn grabó voces, teclados, guitarras, melódica y bajos, mientras el equipo ensamblaba las pistas mediante muestreo, secuenciación y sobregrabaciones. Además, el proceso se mantuvo altamente improvisado: en muchas ocasiones, Albarn escribía letras poco antes de grabar, preservando así un carácter espontáneo. Por ello, algunas canciones conservaron elementos de las maquetas originales, mientras otras evolucionaron mediante experimentación en capas dentro del estudio.
Del mismo modo, se incorporaron colaboradores que ampliaron la propuesta musical. El rapero Del the Funky Homosapien participó en “Clint Eastwood” y “Rock the House”, mientras que Kid Koala aportó scratching. También se sumaron voces como las de Miho Hatori, así como la del cantante cubano Ibrahim Ferrer en “Latin Simone”. Asimismo, el músico jamaicano Junior Dan contribuyó con líneas de bajo que reforzaron la influencia del dub y el reggae.
Posteriormente, en el año 2000, la producción se trasladó temporalmente a Geejam Studios, en Jamaica. Este cambio respondió a la necesidad de un entorno distinto tras un prolongado periodo en Londres. Durante estas sesiones, el equipo completó grabaciones y mezclas, reforzando el énfasis rítmico del material y explorando técnicas propias del dub, como el uso del eco y una espacialidad más marcada en la mezcla.
En conjunto, el sonido resultante integró elementos de rock alternativo, trip-hop, hip-hop, música electrónica y ritmos influenciados por el dub, manteniendo una atmósfera experimental y flexible.
Finalmente, hacia finales de 2000, el material fue entregado a Parlophone para su publicación. El primer adelanto llegó con el EP Tomorrow Comes Today en noviembre de ese año. Poco después, el 5 de marzo de 2001 se lanzó “Clint Eastwood”, cuyo impacto en radio y su videoclip animado impulsaron su alcance internacional, destacándose en el No. 3 de la lista Billboard Modern Rock Tracks. A continuación, se publicó “19/2000”, consolidando la presencia del proyecto en el circuito alternativo y conquistando el puesto 23 del conteo mencionado.
De este modo, el 26 de marzo de 2001 vio la luz el álbum Gorillaz, una obra construida a lo largo de varios años de experimentación. Su desempeño en listas como el Billboard 200 lo llevó al puesto No. 14, mientras que en el Reino Unido alcanzó el No. 3.
Más que como un simple grupo musical virtual, Gorillaz se ha configurado como una declaración artística: una propuesta que utiliza la ficción para revelar verdades sobre la cultura pop contemporánea.
